Categoría: vídeo

Nada desaparece. Solo cambia de cuerpo.
Hemos perfeccionado el arte de la desaparición. Limpiar, borrar, expulsar o desechar son gestos que sostienen la ficción de un mundo donde las consecuencias siempre ocurren en otra parte. La materia, sin embargo, no conoce el olvido. No distingue entre lo que decidimos conservar y lo que preferimos expulsar de nuestra mirada.

En WIPES OUT, esa ficción se desplaza hacia el cuerpo. No como una identidad cerrada o un organismo autónomo, sino como un espacio de tránsito donde las categorías con las que ordenamos el mundo —género, naturaleza, cultura o especie— pierden la estabilidad que les atribuimos. El cuerpo deja entonces de ser un límite para convertirse en un lugar de intercambio.

La secuencia en stop motion insiste en esa condición. Ninguna imagen alcanza un estado definitivo; toda forma contiene ya la siguiente. Lo que cambia no es únicamente el cuerpo, sino la idea misma de separación.

Solo entonces comprendemos que aquello que creemos expulsar nunca abandona el mundo. Permanece, circula y regresa transformado. No existe un afuera para la materia, como tampoco existe un afuera para los cuerpos.

Wipes out no habla del residuo. Habla de aquello que cambia de cuerpo.

Wipes out
Vídeo
Duración: 27 segundos (Bucle)
2026

Lo que se pierde no se va. Permanece en un estado de repetición suspendido entre aparecer y desaparecer. Mirar no interrumpe el proceso. Solo lo vuelve invisible otra vez.

Ensayo sobre la pérdida
Vídeo
Duración: 11 segundos (Bucle)
2026

Parte de un gesto cotidiano y profundamente cultural: sentarse a la mesa. Pero aquí la mesa no funciona como un lugar de encuentro, sino como una superficie de acumulación simbólica, representación y desaparición. La acción de servir deja de estar vinculada al alimento para convertirse en una operación de lenguaje, memoria e identidad.

La pieza utiliza referencias a la tradición gastronómica catalana no desde la nostalgia ni desde la celebración costumbrista, sino como estructuras culturales capaces de contener violencia, deseo, herencia y representación del cuerpo. Los platos dejan de funcionar como objetos domésticos y se convierten en soportes donde el cuerpo aparece fragmentado, consumido y transformado en imagen. La acción de alimentarse de uno mismo introduce una tensión entre autosuficiencia y desgaste, entre identidad y consumo. El cuerpo ya no es únicamente quien come: es también aquello que se ofrece, se representa y se incorpora al ritual colectivo.

En este sentido, TAULA PARADA plantea una reflexión sobre las formas contemporáneas de exposición del yo y sobre cómo la cultura visual convierte la experiencia íntima en una superficie consumible. La superposición progresiva de los platos activa una lógica de ocultación en la que cada nueva imagen cubre la anterior. La acumulación no produce abundancia, sino desaparición. Lo visible se impone sobre lo que había antes, mientras que el resto queda sepultado bajo la estructura.

La pieza trabaja así la relación entre archivo, jerarquía visual y memoria cultural: aquello que permanece visible determina lo que puede ser recordado. La presencia del texto y del lenguaje performativo desplaza constantemente la obra entre acción, objeto y representación. Nombrar equivale a activar. Mostrar equivale a transformar. La obra no propone una narración cerrada, sino un sistema de capas donde cuerpo, tradición, imagen y oralidad conviven en un estado de inestabilidad permanente.

TAULA PARADA entiende la mesa como un escenario afectivo y de construcción simbólica; un lugar donde los cuerpos son organizados, representados y consumidos. Entre ceremonia doméstica y dispositivo performativo, la pieza convierte el acto de servir en una coreografía de acumulación, desaparición y permanencia.

TAULA PARADA
Vídeo
Duración: bucle
2026

Acompañada por una mezcla visceral de elementos naturales y sonidos de guerra, “Kintsugi” nos sumerge en el caos y la belleza de fuerzas opuestas. Una sinfonía disonante que permite una aproximación al campo de batalla en un contexto bucólico.

«Kintsugi» nos confronta con la dicotomía «PAZ» y «GUERRA», alternando estas palabras en blanco y rojo sobre un fondo negro. Imposibilitando la comunicación, estas palabras dan paso, a las palabras de veintiuna frases sobre la guerra y la paz que se superponen en la pantalla a toda velocidad, en un ciclo de repetición. Con cada iteración, la velocidad se ralentiza gradualmente, permitiendo al espectador digerir las profundas declaraciones sobre la naturaleza de los conflictos y la búsqueda de la paz.

Sin embargo, tras esa tregua, la velocidad recupera paulatinamente el ritmo frenético, reflejando la naturaleza cíclica del extremismo y la polarización en la sociedad.

Simultáneamente y a intervalos, en el fondo, aparece la imagen de una máquina de coser que con hilo de oro cose y une las dos banderas en conflicto, Israel y Palestina, como ejemplo de tantos otros. Después una tijera corta de nuevo las banderas unidas por el hilo de oro y, tras voltearlas, la máquina vuelve a coserlas con hilo de oro. Cortando y volteando las dos mitades una y otra vez se genera un patchwork bandera, fruto de la unión con la técnica japonesa del kintsugi.

La yuxtaposición de la brutalidad de la guerra con el idealismo de la paz, invita a contemplar el frágil equilibrio entre destrucción y creación, caos y armonía y a reflexionar sobre la posibilidad de curación y reconciliación en medio de las fracturas del extremismo.

KINTSUGI
Vídeo monocanal
Duración 12′
2024

En Flying Free, Ramon Guimarães nos invita a atravesar los límites de lo corpóreo, lo simbólico y lo histórico mediante una acción suspendida entre cielo y tierra. En una escena donde el cuerpo se convierte en eje y vehículo, el artista se balancea sobre un columpio-trapecio, vestigio de infancia y aparato circense, llevando consigo una arquitectura, un miriñaque negro, que no es solo vestimenta.
Este objeto —código visual de lo femenino normativo del siglo XIX— adquiere aquí nuevas capas de sentido. Es tanto prótesis como jaula; ornamento como prisión; medidor de tiempo y tecnología de género. Cuando Guimarães lo eleva sobre su cabeza, no solo reconfigura su silueta en un gesto que remite al reloj de arena, sino que también se inscribe dentro de una estructura que lo encierra: la del patriarcado, el colonialismo, la tradición performativa blanca y masculina.
Sin necesidad de palabras explícitas, la acción convoca una lectura queer y feminista donde el cuerpo se rebela desde lo íntimo y lo ritual. La desnudez parcial —con botas militares y un slip negro— no es provocación vacía, sino un gesto de reapropiación política: el cuerpo del performer, racializado y no normativo, se exhibe como archivo vivo, como territorio de insubordinación. Aquí no hay neutralidad; hay historia, memoria encarnada, fricción.
En diálogo irónico con la cultura clubbing de los 90 —más precisamente con la mítica Pont Aeri y su Flying Free— el artista introduce una relectura de la euforia electrónica desde la fábrica de la performance. La letra reescrita de la canción se transforma en manifiesto: no hay libertad sin cuerpo, no hay receta sin práctica, no hay historia sin quien la reclame. “Working performances makes me a new recipe”, repite en bucle: la receta es él mismo, su método, su insistencia.
Desde una estética que conjuga el trance visual, la performatividad queer y la reapropiación de signos culturales populares, Flying Free propone una insurrección poética en contra de las estructuras que normativizan el cuerpo y la historia. No es solo un vuelo libre; es una caída consciente hacia un presente expandido, donde el performer no pide permiso: se lo concede.

FLYING FREE
https://www.youtube.com/watch?v=DXySBOi-zJQ
Duración: 3′ 33»
2025

En NO M’HAS MIRAT (no me has mirado), Ramon Guimarães activa una presencia que interpela directamente a la mirada ausente del otro. La obra se sitúa en ese espacio liminal entre la visibilidad y la exclusión, entre lo que se muestra con fuerza y lo que históricamente ha sido relegado a los márgenes.
A través de una relectura crítica y afectiva del imaginario pop —reapropiándose de una canción emblemática como Lay All Your Love On Me—, el artista despliega un cuerpo queer que no busca encajar ni explicar, sino insistir. Afirmarse en su existencia, en su historia, en su derecho a ser leído más allá de las categorías que lo encasillan. Lo queer aquí no es un estilo, sino una condición de resistencia.
La pieza funciona como un ritual cíclico donde la vulnerabilidad no es opuesta a la fuerza, sino que forma parte de su núcleo. La corporalidad de Guimarães —expuesta, tensionada, afectada— se convierte en canal para una crítica emocional al olvido estructural, a la invisibilización sostenida tanto del performer como de los cuerpos disidentes que han habitado el arte desde los márgenes.
El vídeo no representa una escena: convoca una atmósfera. Lo natural y lo artificial se superponen sin jerarquía, creando un estado de trance visual en el que el cuerpo aparece como figura mitológica, archivo sensible, y catalizador de una potencia que no busca resolución, sino permanencia. El gesto, el movimiento, la repetición y el colapso no son una narrativa lineal, sino un bucle simbólico de muerte y reaparición. Un modo de decir: aunque no me hayas mirado, sigo aquí.
En NO M’HAS MIRAT, la performance no es solo acción: es tiempo, es memoria, es cuerpo que persiste incluso cuando ya no lo vemos. Una pieza que no busca ser observada, sino que denuncia la omisión y desafía con elegancia su lógica.

NO M’HAS MIRAT
https://www.youtube.com/watch?v=_6gpAe3PJZc
Duración: 6′ 48»
2025

FLUX es un emotivo homenaje en vídeo a Lis Costa, una persona preciada que sigue resonando a través de las voces colectivas de aquellos que la conocimos y amamos. El vídeo se convierte en un flujo continuo de más de un centenar de personas que han querido pronunciar el nombre y apellido de Lis.

Cada repetición es única y se convierte en un puente sincero que conecta el pasado con el presente, mostrando el impacto profundo que tuvo en vidas, amistades e intereses compartidos.

Este flujo colectivo construido merced a la colaboración de todos aquellos que de una forma u otra lo hemos querido sirve como potente metáfora de su amor y dedicación al arte del vídeo, la co-creación del FLUX Festival , del FLUX CLUB y otros junto a Josep Maria Jordana.

El punto álgido del vídeo es un momento conmovedor en el que todos los participantes formamos un mosaico con el que se crea por unos instantes, la imagen de Lis. Por última vez, todos juntos pronunciamos su nombre y esta imagen efímera desaparece, dejando una impronta tan duradera como la que ella ha dejado a los que la hemos conocido.

FLUX quiere ser a la vez un homenaje y un testimonio de los lazos duraderos de amor y amistad que Lis supo crear en todo lo que hacía.

Flux
Duración 7’ 16’’
Barcelona
2023

Es una vídeo creación inmersiva en la que invito al espectador a dar un paseo evocador por el mundo de los objetos aparentemente sin valor, pero cargados con nuestro amor. Profundizando en la apelación enigmática de ciertos objetos que resisten a la efimeridad de nuestras vidas impulsadas por el consumismo, introduzco la metáfora ingeniosa de la máquina tragaperras. Dentro de este dispositivo, objetos aparentemente insignificantes pasan grácilmente por las pantallas, hasta que la serendipia alinea las tres ventanas, dando a la audiencia la oportunidad de escuchar la narración sobre el significado de ese objeto. Este elemento de casualidad subraya la naturaleza caprichosa y a menudo inexplicable de nuestros lazos emocionales con objetos específicos. Más allá de la fachada de la máquina tragaperras, estos objetos sirven como catalizadores, despertando memorias latentes en el espectador. Una reflexión ingeniosa sobre el legado transitorio de estas posesiones, sugiriendo que sus historias personales, pueden pasar desapercibidas en el gran ámbito de la existencia si no se comparten conscientemente. Una exploración conmovedora de la delicada danza entre lo intangible, la casualidad y la elección, ofreciendo un espacio contemplativo para que la audiencia re-examine la significación de los objetos tejidos en la trama de sus propias vidas.

BEING OBJECTS
Duración 9’ 35’’
Barcelona
2023

ANONYMOUS es un video que desafía con audacia las convenciones culturales al tiempo que celebra la autenticidad y la autoexpresión. Sobre un fondo en blanco el performer se presenta en triada, blanco también como el lienzo vacío, espacio neutral y universal que precede a la creación artística o a la formación de la identidad. Aquí, el estribillo icónico de «Alejandro» de Lady Gaga transformado, actúa como punto de partida de su metamorfosis en siete obras icónicas de destacados artistas masculinos, desde la vanguardia hasta la actualidad: Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons, Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Francis Bacon y Gerhard Richter.

El proceso de metamorfosis se sucede, y a medida que el estribillo repite el nombre de Andy Warhol y demás artistas, los intérpretes resisten las transformaciones constantes, subrayando así la importancia de la autenticidad y la autoexpresión tanto en el arte como en la vida cotidiana. «ANONYMOUS» emerge como una obra que promueve la diversidad y la libertad de expresión, desafiando las restricciones de género y celebrando la igualdad de identidades en la comunidad artística y en la sociedad en su totalidad.

ANONYMOUS
Video monocanal
Inglés con subtítulos en castellano 
Duración 1’ 57’’
2023

WOMAN BEING es un himno feminista y trans que aborda la experiencia de ser mujer. Nos presenta a una mujer que, a pesar de su belleza, lucha contra la presión social y la objetificación. Pone de manifiesto su dualidad entre inocencia y sensualidad, revelando una lucha interna. La letra sugiere agotamiento por las expectativas sociales y la necesidad de transformarse de inocente a empoderada cuanto antes. Basada en «Das Model» de Kraftwerk, la canción invita a reflexionar sobre la mirada hacia las mujeres y aboga por el empoderamiento del lado femenino, independientemente de la identidad de género. Desafiando expectativas sociales, promoviendo autenticidad y una nueva mirada  a la feminidad.

WOMAN BEING
Video monocanal
Inglés con subtítulos en castellano 
Duración 4’ 09’’
2022

Enigmática, trans, mítica y Warholiana Marilyn irrumpe, para cantarnos: ‘One single artist’, himno atemporal cuya letra reitera el poder del arte en manos del artista como instrumento de cambio social y la soledad de éste en ese proceso.

Su performance parecería trivial, si no fuera por las constantes interferencias que se producen. A cada interferencia vislumbramos un proceso de masculinización de Marilyn en la figura de Hitler, para terminar, feminizando a éste.

Contrapone dos mitos del siglo XX, ella, paradigma de feminidad y sex-appeal, él, símbolo de fascismo y masculinidad tóxica, pone de manifiesto infinidad de contradicciones heredadas del pasado, presentes en el mundo actual. Ella, fruto del Star system Hollywoodiense, él, de la propaganda Nazi. Ambos, artistas, pero mientras ella lo era, sin quererlo. Él, en cambio, fracasó en su tentativa de serlo. Él, intentó conquistar el mundo y por poco consigue destruirlo. Ella nos conquistó a todos, pero el mundo la destruyó. Ambos terminaron en suicidio, ella superada por el éxito, él, para no ser juzgado tras su derrota. Una reflexión apropiada para el actual contexto distópico.

ONE SINGLE ARTIST
Ramon Guimaraes
Duración: 3′ 26»
Vídeo monocanal
2021-2022

contasenya: ramon

Inspirado en la pieza homónima de Antoni Tàpies PILA DE PLATS de 1970, con este vídeo, activo la pila de platos con la intención de generar un diálogo entre dos seres invisibles, de los que desconocemos incluso su género, que no cesan de manipular una y otra vez los platos de la pila.

Esos seres, en su que hacer generan una sinfonía infinita de chasquidos y vibraciones que se producen al chocar entre si los platos, contribuyen a crear tensión. Una tensión que junto a sus interacciones me sirve para poner de manifiesto la incomodidad de muchas de nuestras interrelaciones, especialmente las relacionadas con el género que se producen en la sociedad actual.

Pila de plats
Duración 11′ 31″
Barcelona
2022

YOU TOO es un video performance en el que se recitan lentamente los 999 nombres de las 999 mujeres víctimas de violencia de género o sexismo entre 2003 y 2019. Sus nombres, simultáneamente a mi recitación, aparecen y desaparecen lentamente en la pantalla sobre un fondo negro. Creando una gota de sangre que cambia sin cesar. Esas mujeres muertas son tan solo la punta del iceberg de muchos otros maltratos y ofensas que nosotros como sociedad infligimos a todas las mujeres, a aquellos que se sienten como tales o manifiestan esta expresión de género. Creé este video con la intención de homenajear a todas las mujeres.

YOU TOO
Duración 8′ 03»
Flux CLUB session 3 Antic Teatre
Barcelona, 8 de marzo de 2021

Una caja para abrir, un regalo de los dioses en su interior. Dicen que al abrir la caja, Pandora esparció todo los males por el mundo. No te lo pienses. Vuelve a abrirla, aún estás a tiempo de salir del bucle. De ti depende que se esparza lo que se esconde en el interior de esta caja: un video en loop, tú, yo, un conejo, cuatro oráculos y la esperanza de salir. Mitología, la Alicia de Carroll, presente, pasado y un futuro fractal del que si no nos damos cuenta no saldremos.

PANDORA’S BOX
Vídeo monocanal
Inglés con subtítulos en castellano
Duración 7’
2020

ANTHEM es en realidad una performance privada, realizada en una sola toma y ante un único espectador, la cámara. En la de manera muy simple y efectiva resume de modo incisivo y al tiempo inesperado, la sensación que al performer le ha dejado todo el proceso político desarrollado en Catalunya desde 2015 hasta ese momento.

ANTHEM
Vídeo monocanal
Duración 2’ 50’’
2021

Esta pieza de vídeo tiene un intenso contenido político por un lado relacionado con el contexto actual y algunas de las actuaciones de los distintos gobiernos de España con respecto a Catalunya. Pero por otro lado, también tiene que ver con la invasión en nuestras vidas de la cultura rápida del ‘fast food’ que continúa generando cada vez más residuos y que está haciendo nuestra pervivencia imposible en este planeta.

THE BIRD
Video monocanal
Duración 15’’
2019

QUANTIC SELF-PORTRAIT es una sincera y profunda reflexión sobre el ser, a partir del hipnótico juego de las nueve letras de mi apellido sobre un damero de ajedrez. A partir de ellas, establezco nueve grandes temas: Género, Universal, Inspiración, Muerte, Arte, Razón, Amistad, Edad, Sexo, tras los que subyacen de forma implícita otros tantos sub-temas relacionados. 

Para hablar de esos nueve temas y subtemas, me construyo veintiún identidades distintas, con perfiles de distinta índole, tanto social, cultural, político como de género. Mediante estos veintiún alter egos voy tejiendo este falso documental en blanco y negro que transita y recorre distintos recodos de mi mente, mi cuerpo y mi espíritu con una mirada tan atmosférica que permite que se cuelen música, amigos, espacios, presente, pasado y futuro, los vivos y los muertos. Una experiencia de intensa inmersión y auto-descubrimiento mediante la aplicación de la física cuántica a la idea clásica de autorretrato.

QUANTIC SELFPORTRAIT
Video monocanal
Multilingüe Inglés, castellano, francés y catalán con subtítulos en castellano y inglés
Duración 26’
2019

Exhibida 2019 Centre d’ Art Santa Mònica Barcelona para FLUX Festival

Aprovechando el juego sonoro y la similitud de las palabras surrealismo, suprematismo y supremacismo, como si de una de las histriónicas apariciones televisivas del afamado artista Empordanés Salvador Dalí de los años 60, me transformo en Salvador Dalí para repetir con su característico histrionismo, una y otra vez, la palabra supremacismo,  mientras la imatge cambia del color al blanco y negro de forma aleatoria.

Una clara alusión a la sumisión al régimen franquista del ‘políticamente correcto’  Salvador Dalí, en un momento, el actual,  en que sentirse catalán es injustamente asociado a la palabra supremacismo.

POLITICALLY CORRECT (Ver vídeo)
Video monocanal
Duración 1’
2019

Exhibida 2019  BATEC LATIDO BEAT, HAMNEY Gallery

¿Qué significa desvelar la novia? De acuerdo con las tesis del lenguaje duchampiano el concepto de novia se presenta como el principio de autoconcienciación y el desvelo de uno mismo.

Desvelar la novia no significa tan solo despojar la parafernalia que su anacrónico atuendo contiene, sino desvelar el misterio que esconde la figura arquetípica impuesta a la mujer. 

Con la intención de desencadenar una serie de preguntas, el video propone al observador/a atreverse a despojarse de las múltiples capas de velo que cubren su rostro para explorar su identidad fuera de la impuesta bipolaridad de lo femenino/masculino. De esta manera, la búsqueda de la identidad permite rehabitar el estereotipo de lo femenino,

UNVEILING THE BRIDE 
Video monocanal
Inglés con subtítulos en castellano 
Duración 20’ 45’’
2018

Ante los contradictorios acontecimientos posteriores al uno de octubre de 2017, uno de los que más me afectó intelectualmente hablando fue la aplicación del artículo 155 de la Constitución Española a pesar de que el gobierno de la Generalitat había sido destituido y se habían convocado elecciones autonómicas. No entendía y sigo sin entender porque castigaban tanto a los catalanes independentistas como a los que no lo eran. Y lo que menos entendí fue que los catalanes no independentistas no percibieran ese castigo como tal. Paralelamente aparecieron los lazos amarillos en defensa de los presos políticos. ¿Qué más se podía hacer ante esa situación?

Exhibida 2019  BATEC LATIDO BEAT, HAMNEY Gallery

ACTION #155
Video monocanal
Inglés con subtítulos en castellano
Duración 3’ 5’’
2017